Hernán Saavedra permite con su película comprender cómo los jóvenes decidieron, de manera valiente, que ya no bastaba con marchar. Sin embargo, ellas/os mismos son conscientes que tampoco basta con generar la reflexión estética del arte y la vida como única forma de representar nuestras profundas problemáticas sociales. 

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Alejandro Moreno realiza un ejercicio que nos permite reflexionar sobre la resignificación histórico-cultural de la tragedia, a través de una representación resquebrajada entre dramaturgia y cine. El director, aun tomando decisiones que no permiten un diálogo fluido entre ambos lenguajes, se esmera en encontrar símbolos de la realidad para mostrar el conflicto de una forma minimalista.

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“Princesita” es una obra que explota y remece a través la forma, con momentos que impactan por la determinación en el uso del lenguaje audiovisual con que Rivas muestra lo subjetivo. Un retrato del abuso que estremece, una ventana a la mirada de la víctima que acerca al espectador las secuelas del abuso y la violencia.

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El Salvavidas es la experiencia de la observación. Alberdi retrata la mirada de su protagonista desde lo cinematográfico y las herramientas del documental: la visualidad contemplativa, la lejanía del artificio y la espontaneidad de la narración. Mauricio, el salvavidas, deambula entre la diversidad de su oficio, develando apariencias, relaciones y autenticidad. 

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En “El verano de los peces voladores” hay una preocupación elocuente por el conflicto chileno-mapuche. Said opta por filmar la belleza del entorno y los excesos de quienes violentan permanentemente el territorio, por observar las dinámicas de una contraposición entre estos universos, evidenciando, al igual que en la historia, una pugna entre forma y discurso.

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A pesar de la ambigüedad con que Las Analfabetas enfrenta elementos del cine y el teatro, hay espacios que parecen trabajarse mejor desde la disciplina cinematográfica, pues permiten la exploración de un discurso y un punto de vista del director. Así, esta ficción encuentra en el cine una manera de representar las vivencias de un personaje principal que vive en el analfabetismo.

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El Chacal de Nahueltoro es una de las grandes obras del cine chileno. Logra con asertividad y sentido crítico, retratar los problemas psicosociales a causa del abandono y rechazo a las clases menos acomodadas. Con este filme, Miguel Littín forma parte del movimiento de esencia revolucionaria  que busca hacer cine desde las realidades que nos rodean.

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Con una estética sobria y contenida, “Valparaíso, mi amor” nos habla de la pobreza y el desamparo. Cada personaje de Aldo Francia representa la magnitud de la desigualdad y la injusticia social, y la ciudad de Valparaíso -que es como un personaje más del filme-  refleja en sus calles la palpable y oculta precariedad con la brillantez de un cine sobriamente expresivo.

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Dirigida por Gonzalo Justiniano, Caluga o menta se mantiene vigente mostrando una crítica cruda e inteligente sobre la marginalidad, la falta de oportunidades y la desigualdad. Niki y sus amigos son personajes contemporáneos, desamparados y condenados a buscar salidas  –aunque incorrectas-  que parecen las únicas posibles. 

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La película de Orlando Lübbert es elocuente en retratar la otra cara del supuesto “milagro económico” chileno. Una suerte de rostro oculto de la democracia se devela en esta película, en que los embates del neoliberalismo impactan directamente a los protagonistas. 

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